来自水天中老先生的珍贵文章

2019年1月,水天中老先生评论艺术家陈安健作品的文章在《美术研究》发表了。这是一篇珍贵的文章。


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2019年1月,水天中老先生评论艺术家陈安健作品的文章在《美术研究》发表了。这是一篇珍贵的文章,发声自中国现当代艺术第一代批评家中的一位,能得到前辈智者的关怀令人动容。


生于上个世纪30年代的水老已逾古稀之年,现在很少看到他掷地有声的文字了,而这篇文章中透露出他老人家的“剑胆琴心、侠骨柔肠”依然如故。今年春节期间,陈安健老师和了了邓昭宇先生专程去北京看望了水老,对他的简朴和智慧印象深刻。


有了以上的简述,请安静地谛听一位智者的心声——



流逝的心灵史

水天中

从20世纪结束的那一年开始,陈安健画出一幅又一幅取材于老茶馆的油画作品。重庆和北京的美术家在他的作品前,往往产生某种震动和怀疑——艺术上传统与现代的纠结,究竟是某种往昔生活的记忆,还是现实剧变的思虑?究竟是演练传统写实技法的极致,还是要探索现代社会群体的心理空间?人们的思忖不是无的放矢,陈安健正是在错综复杂的内心和外界矛盾中画出了茶馆系列作品。而这种难以定义的创作态度和作画方式,也正是《茶馆系列》使人一唱三叹,回味无穷的艺术基础。


《茶馆系列—明天,好日子》 57×39cm 布面油画 1999年

(《茶馆》系列首年作品)


这一组系列绘画作品有统一和不变的环境与背景,那就是日趋破败的老茶馆。在这座仿佛可以感觉到梁柱门窗朽烂折裂的有限空间中,日光从门窗和缝隙中倾泻流动,泡茶的盖碗牵住不同相貌的茶客,沸水从细长的壶嘴射入茶碗。有嘴无心或者有心无嘴的茶客各行其是,自得其乐。这里没有基于身份的矜持和居高临下的深沉,即便有颓丧和无聊,有老不正经的玩闹,也不会遭人白眼或者面临干涉,这正是他们不舍寒暑流连忘返的一大原因


《茶馆系列—福光》 63×60.5cm 布面油画 2008年


从人物身份看,画家描绘的人物主要有几种类型——脱离了(或者失去了)职业而还可以自由走动的老人,没有太多拖累而可以到茶馆散心的家庭妇女,以及来历不明的彷徨者。当然,画面上还有时时出现的年轻姑娘,她们的出现成为衰败的环境和衰老的人们的对照。虽然青春正在被衰老浸染,就像画家钟爱的茶馆在时光之流中终将消失一样。画家显然在她们身上倾注了少有的纯情,而未安排太多的戏剧性。也许他是以这样的对照,突出与衰老同构的穷极无聊。


《茶馆系列—走这儿》 130×104cm 布面油画 2008年


说到处处可见的戏剧性,这似乎是茶馆系列作品的串连线索。陈安健觉得茶馆是“人生的舞台”,这种舞台感(或谓戏剧场面)使其中有些作品极富趣味性而淡化了绘画性。长期体验观察这个茶馆的陈安健,显然见过太多使他沉思、微笑、皱眉或者惊讶的戏剧性场面。他不一定赞赏,不一定掌握其来龙去脉,但让他难忘。他可以推断他们的社会境遇,进而分派以适当的角色;他可以想象这些人的过去和未来,藉此规定了他们的角色类型,于是我们在画面上看到那些老茶客展开符合其身份逻辑的“快闪”行动


《茶馆系列—“500万”》 180×195cm 布面油画 2004年


从1999年的茶馆到2007年的茶馆,我们可以看到画面从明朗趋向沉静——从环境光照到人物神情都变得深暗了,这当然是画家内心的变化,是他对交通茶馆内外世情感受的变化。2014-2017年间接连出现“老夫聊发少年狂”式的戏谑,许多细节提醒观众,古旧的茶馆并不是与世隔绝的文化孤岛。从《莫言的粉丝》、《诺贝尔》,上升到《风风车》。拉下了“长辈”面具的老人们抓住时尚信息,寻求并制造盖碗茶之外的微小狂欢。接踵而至的《黄狗》、《珠珠梦》和《时事报道》便潜入孤独的魂灵,他们在喝茶、嬉笑、摆龙门阵和发呆之外依然保留着自己独有的梦,哪怕它是使人伤感使人绝望而且半醒半睡的梦。《沉香》、《老周的珠珠梦》以及《红衣姑娘》等,它之值得画家在它周围留步,是因为它绝对不是集体的梦,它属于做梦者个人。在孤独的做梦者边上,我们看到了一组头像,从2003年的“老人头”到2017年以茶碗为视点中心的头像。画家试图绕开茶馆的喧闹,一窥茶客个体的内心世界,在这里我们既感受到画家内心平静柔和的一面,也尝到一些消逝的辛酸,即便往事不堪回首,人们依然活下来并且在热茶的氤氲中品味剩余的人生。岁月侵蚀没有使个性消融,反倒添加了视觉丰富性。而近年的《红墙恋》和《凉风》,则渗入超现实冷风,这提示我们注意观察画家风格趣味的变异趋向。


《茶馆系列—诺贝尔》206×166cm布面油画2014年


对当代中国社会生活有广泛接触的人,可以清楚地感知陈安健作品中的茶馆(包括那些戏剧性场面)确实是对城市底层生活的真实写照。画家不但观察底层的个体,而且观察他们的生命空间——还保有自由选择和个人情趣的社会空间。久居城市的人可能对作品中的人物,对他们的行为和他们流连忘返的环境感到诧异,而对于熟知这种茶馆的人来说,陈安健所关注所表现的确实是“习闻常见”的人和环境,它比那些昂扬玄奥的题材更加接近现实。


《茶馆系列—老周的珠珠梦》 41×31cm 布面油画 2017年


再过五十年或者一百年,当全新的一代人在城市里成长起来,走过交通茶馆旧址的时候,交通茶馆这样的房屋连同里面的人很可能荡然无存。而陈安健的《交通茶馆系列》将成为人们探讨那个“遥远”的,早已逝去的“今天”的心理-视觉依据。彼时的观众也许会思索,在交通茶馆里流连的男女曾经有过什么样的青春,他们有过“正史”文本记载的那样高瞻远瞩满怀激情吗?他们是从哪里走进茶馆,又是从茶馆走向哪里?


《茶馆系列—白色圣母》 156×200cm 布面油画 2008年


了了·艺术传播机构

地址:成都市天府大道中段 177号天鹅湖花园 22栋

了了 • 艺术传播机构3号馆

电话:028- 87680690

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展览 | 了了即将推出“陈安健个人作品展纪”

《见证交通茶馆》——陈安健个人作品展纪,将于2019年1月5日15:00开幕。



展览 l  Exhibition


见证交通茶馆

陈安健个人作品展纪



Transport Teahouse: A Testimony

Notes on Chen Anjian Solo Exhibition


艺术家 l Artist

陈安健

Chen Anjian


策展人 l Curator

王林

Wang Lin

 

出品人 l Producer

邓昭宇

Deng Zhaoyu


开幕时间丨Opening

2019. 01. 05 15 : 00


展览时间丨Exhibition Dates

2019. 01. 05 — 2019. 02. 05


主办丨Organizer

了了·艺术传播机构 

LIAO LIAO Arts Dissemination Institution  


地址丨Add.

成都市高新区天府大道中段177号天鹅湖花园22栋

22nd Building, Swan Lake Garden, No. 177 

Tianfu Avenue Middle, Chengdu,China



为了在2018冬季回首今年与藏家、爱家共同走过的道路,也为了在2019春节前给彼此一个团圆的拥抱,了了将于2019年1月5日隆重推出“见证交通茶馆——陈安健个人作品展纪”。


“陈安健个人作品展纪”文献集封面



此次展览内容,是对今年4月我们于重庆黄桷坪举办的《见证交通茶馆陈安健个人作品展》的精彩回顾与成果汇报。该次展览在陈安健先生学习、工作、创作的原发地举办,作品魅力与策划展陈方式结合,引发了广泛的轰动效应,展览现场人流如织。将这种效应和美好滋味带回成都,持续下去,一直是我们的心愿。



重庆交通茶馆部分人物与元素



现在将是我们如愿以偿的时候,为了感恩回馈大家的支持,本次展览将特别奉献VR单元,复原交通茶馆场景,将重庆的展览氛围借用回来,也弥补种种原因当初未到现场的朋友的遗憾;展览还将倾力推出陈安健先生“见证交通茶馆”的另一本图册,与之前的展览作品图册完美合璧,深度呈现陈安健与黄桷坪的艺术地域关系;而围绕陈安健先生作品形象精心研发的限量版艺术衍生品,也为您备好。



3号馆VR区域



衍生品:明信片、盖碗套件、盘子、手提袋、搪瓷杯子、笔记本



衍生品:丝巾



春去秋来,岁岁年年,感谢您长期以来对了了的瞩目和支持,了了备好了展览,泡好了香茶,盛情邀请您来此一聚。



艺术家作品欣赏


《100cm-茶馆系列-头胎》 72×108cm 布面油画 2018年



《茶馆系列—再一胎》 62×54cm 布面油画 2017年



《茶馆系列—谢棒棒的职责》 63×58cm 布面油画 2017年



《茶馆系列—帅》 200×165cm 布面油画 2014年



《茶馆系列—诺贝尔》 120×155cm 布面油画 2014年



《茶馆系列—走这儿》 130×104cm 布面油画 2008年



《茶馆系列—七月的日子》 180×140cm 布面油画 2007年



《茶馆系列—明天,好日子》 57×39cm 布面油画 1999年



陈安健简历




1959年生于重庆。1982年毕业于四川美术学院77级油画系,获文学学士。现为四川美术学院教授,中国美术家协会会员,重庆美术协会第一届油画艺术委员会委员。

 


个展:

2018年   见证交通茶馆——陈安健个人作品展,坦克库·重庆当代艺术中心,重庆。

2011年   “茶关世象”陈安健《茶馆系列》油画作品展,了了·艺术传播机构,

成都。

2000年   陈安健“茶馆·岁月·人生”油画作品展,上河会馆,昆明。      

 


联展:

2018年  《茶馆系列—诺贝尔》,中国精神——第四届中国油画进京展,中国美术馆,北京。

2017年   《茶馆系列—咦,美容版》,第四届“和声:艺术邀请展”,西南民族大学高小华美术馆,成都。

2017年   《茶馆系列—顶》,第九届中国体育美术作品展,天津美术馆,天津。

2017年   《茶馆系列—温水瓶》,“时代质感”四川美术学院作品展,中国美术馆,北京。

2016年   《茶馆系列—诺贝尔》,中国精神——第四届中国油画展之真像——当代中国写实油画的新发展研究展全国巡展,山东美术馆、西安美术馆、武汉美术馆、包头美术馆、中国油画院,济南、西安、武汉、包头、北京。

2016年   《茶馆系列—活神仙》,2016全国艺术硕士美术指导教师优秀作品巡展,罗中立美术馆,重庆。

2015年   《茶馆》系列,“流变与共在”中国新现实绘画,达巴索古堡,意大利佛罗伦萨。

2014年   《茶馆系列—帅》,第十二届全国美术作品展,提名奖,中国美术馆,北京。

2012年   《茶馆系列—掰手腕》,国际奥委会组织的“第四届体育与艺术大赛”,中央美院美术馆,北京。

2012年   《茶馆系列—太阳升》,纪念毛泽东同志《在延安文艺座谈会上的讲话》发表70周年全国美术作品展,中国人民革命军事博物馆,北京。

2012年   《茶馆系列—新茶》,首届中国美术家协会会员油画版画精品展,美林美术馆,广州。

2011年   《茶馆》系列,第五届成都双年展“再现写实·架上绘画”展,新会展中心,成都。

2010年   《茶馆系列—走这儿》,“油画艺术与当代社会展”中国油画展,中国美术馆,北京。

2009年   “川美新写实”前进美院·师生作品联展 ,今日美术馆,北京。

2004年   《茶馆》系列,第十届全国美术作品展,优秀作品奖,中国美术馆,北京。

2003年   《茶馆》系列,携手新世纪——第三届中国油画精选作品展,优秀作品奖,中国美术馆,北京。

2000年   《茶馆》系列,“研究与超越”中国小幅油画大展,中国美术馆,北京。




了了·艺术传播机构

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了了艺术家专访--杨光伟

x26quot;酝酿的过程,包括境界的营造,很多东西,虽然是很经意地去营造,却要给人漫不经心的感觉,你怎样来做到这一点?就像我一件很重要的事情要漫不经心地交代给你,那个要思考很久的。x26quot;

艺术家杨光伟近影


《风景-静水流深》 235×59cm  布面综合材料 2018年


 L  =  了了

 Y  =  杨光伟


厚重与灵动


 L   :因为您用的材料一般都比较厚重,但是确实画面又很灵动,这个确实非常值得研究。它们是随机产生的吗?


 Y   :不是随机产生的。比如说灵动,其实跟中国的传统美学,特别是诗歌,都有一定的相关性,像司空图《二十四诗品》,把中国传统文人写诗作文的境界概括成24种,比如雄浑、秀美、苍茫……我的画其实也是在传统中国的美学境界中寻求依托的,包括佛像的刻画也是,首先每一个佛像都有来源,来自不同的石窟,有云冈、有龙门石窟、重庆大足石刻、四川夹江石刻……基本上能够收集到的所有的佛像的图像资料,我都大量收集了,包括每一个博物馆。我去看到的国外的博物馆,凡是有佛像的我都要么自己拍照,要么买博物馆的出版物回来。并且针对不同时期的衣纹的变化,不同时期的造型的变化,我都要进行相应的研究。塑造的过程中,佛的形象、动作、造型没有被改变,只是有些画面做模糊了,有些做清楚了,有些画面要凸起一些,有一些要平一些。但是最终只有一个目的,就是用一个具象的形,产生抽象的意境,引发无限的联想。


《佛系列-千佛》 120.5×120.5cm 布面综合材料 2012-2018年


 L   :这幅画铁板生锈的效果,用的是什么材料呢?


《说法图之立佛》  18×60cm  布面综合材料  2016年

德国工程师收藏


 Y   :还是土,我所有画面中间所使用的材料都是各种各样的土,不同地方采集的各种的土,包括石材城切割石头产生的石粉。这些土我都用无机的,不是腐殖质的。因为腐殖质的土里面有微生物,有各种菌类,它会产生一些变化。


《风景-坐观风云》 210x40cm 布面综合材料 2016-2017年


 L   :然后要用粘合剂是吧?


 Y   :对,要来进行塑造,相当于做了一个浅浮雕。


 L   :然后您又认为这是一个架上作品。


 Y   : 它还是架上,我的起伏都没超过两厘米。


 L   :铁板产生的艺术性跟原来的不一样。


 Y   :我这个画面还可以卷的,它是软的,可以卷、可以顶、可以折。


 L   :会不会弄破?


 Y   :不会的。包括那些颜色,劲小了是打磨不掉的。


《佛系列-千佛》 55×33cm 布面综合材料 2018年


艺术第一个要满足好玩


 L   :杨老师刚才说艺术是特别好玩的事情?


 Y   : 艺术肯定首先一个是要满足好玩。如果不好玩的话,你干嘛熬更守夜去做它?肯定它对你来说好玩才会去做,不好玩你肯定会抵触。外人看起来你熬更守夜,其实只有自己可以体会到那里边的快乐。这个快乐是不能跟人家说的,只能自己体会。不同的境界有不同的玩法,最后传达给人家的,人家又愿意看。板起一副脸去教育人家,肯定就把绝大部分受众丧失掉了。好的艺术的境界是很空灵的,空灵才好玩;要松动,它看起来不紧张,放松,万千变化。就是因为里面蕴藏了很多好玩的东西,不同的时候去看,又看出了一点新东西,他就有一种新奇感或者一种喜悦在里面。


但我的作品做起来不好玩,最后看起来要好玩。画也是,其实画家在创作过程中是很痛苦,但是好画最后画出来让人有一种举重若轻的感觉,好像是不经意画出来的。酝酿的过程,包括境界的营造,很多东西,虽然是很经意地去营造,却要给人漫不经心的感觉,你怎样来做到这一点?就像我一件很重要的事情要漫不经心地交代给你,那个要思考很久的。


《风景-淋漓系列》 240x60cm 布面综合材料 2017-2018年


 L   :这些思考会涉及到用技术的控制?


 Y   :要预设和实验。比如说我需要一种什么效果(木纹的效果、烟雾缭绕的效果),就要去做实验。这里的思考其实是一种技术训练,传统国画里边画水画天空画云雾,他是把它空出来,他画实景,然后通过实景来衬托那种虚的东西,就虚实相生。但是我这个材料没办法留白,没办法空,都要画满,所以说就要非常用心地去注意用哪些地方,来让它产生空的感觉。


《佛系列-夹江千佛岩093龛造像》 72×50cm 布面综合材料 2018年


 L   :您为什么用矿物颜料?


 Y   :我基本上是用矿物颜料,包括颜色也以矿物颜料为主。矿物颜料有个好处,基本上不变色;还有比较沉稳,颜色稳得住,需要做一些厚重的效果时,只有矿物颜料才能够达得到那种质感。因为不同的颜料,比如说化工颜料、矿物颜料,甚至当颜料的粗细不一样,它会产生很多变化,给人感受不一样,就像漆画里面颜色的那种颗粒的粗细,因为光的折射不一样,最后给人感觉就不一样。所以很多漆画里面虽然是同一个颜色,但是通过不同粗细的安排,它也可以产生很多变化出来。


《佛系列-千佛》 55×33cm 布面综合材料 2018年


标准和方法


 L   :您以后会不会换一种材料,比如说不用土了。


 Y   :会,随时都有可能,根据表达的需要,所有的材料不是一个限定的存在。比如说我现在可能在用土,说不定隔一段时间我去用陶,可能隔一段时间去用石头,根据表达的需要。并且在拿到不同的材料的时候,产生不同的可能。比如你拿到泥来做陶的话,火的媒介又进来了,火烧到800度、烧到1300度或烧到3600度,是不一样的。又有一个新的媒介,又可以控制它。所以学习如何使用材料,更重要的是获得一种自由思想和自由去尝试的一种途径。


《风景-风云任我观》 235x59.5cm 布面综合材料 2017-2018年


 L   :方法和途径特别重要。


 Y   :是,要有一个方法论。拿到一个材料,我怎么来做实验?有哪些途径来尝试?我怎样建立一个标准,一定要有标准有判断。要不我有个好东西给你,你没有标准的话可能把它当垃圾扔了。所以标准很重要。


这个标准其实就是你的眼光和境界。比如人家给你送一筐从树上刚摘的核桃,你把皮啃了,把核留下来,你还嫌那个皮不好吃,错在标准不知道。吃核桃的标准就是皮也不要,把外面那个壳也不要,我只吃那个心。你不知道嘛,以为就像吃杏一样,就吃外面的肉。核桃皮的肉麻嘴巴的。所以这是标准,不同的境界,核桃和杏,有不同的吃的标准。


另一方面就是怎么去做实验,做的方法一定要有。我突然给你一盒照相纸,它分很多型号,有软的、有硬的、有不软不硬的、还有碳素的、有绒面的、有光面的;有的曝光要三分钟,有的可能曝光只要三秒,你就要了解每一种相纸,来做不同的实验。比如说土的材料,你烧不到200度的时候,它怎样变硬,然后不溶于水,最后它就产生陶。随着你技术的提高,烧到800度之后还可以在上面上釉,又把铁用在上面,更不容易漏水。然而瓦器它就会漏……实际上就是要掌握怎样来做实验的方法。就像爱迪生发明灯泡一样,做了上万件实验,最后找到钨丝。


《风景-坐观风云.》 210×40cm 布面综合材料 2016-2017年


一个人永远保持年轻就是对未知世界充满好奇


 L   :看起来可能有一天您也许会选择塑料来做作品?


 Y   :可以,塑料这个材料,其实有很多好的塑料是永久不变的,不腐蚀的。只不过需要环保,你要加不同的催化剂。所以说在材料的选择上其实没有一个限定的,我只能用哪些不能用哪些,材料的好处就是什么都可以成为你的媒介,什么东西都可以拿来用,只要你这个时候需要用它,都可以为我所用,最重要就是你需要用它你就要用它。


地球就很神奇,所有的东西都是从地球里面出来的,地球不会长一件衣服出来,但是你可以用它的纤维来织衣服,可以从石油里面提炼出材料来,做涤纶布。当然这些东西其实都是材料,只不过你把材料从地球的原始状态转化出来了。画也是把这些材料转化,所以你不能限定我只能用哪一个,不能用哪一个。除了人是自己长的,其他东西,你看那一片土地,莫名其妙的,你只要给它弄一点水,隔几个月过后,那里面绝对有鱼。那鱼从哪儿来的呢?是它自己就出来了。所以这个地球是最神奇的,所有东西都是从地球上出来的。铁也好,我们吃的用的玩的,各种机器,航天飞机,啥东西都是从那里面出来的。


 L   :对,包括飞机。


 Y   :要学会巧妙的去用它,这个最关键,不能把自己限定了。就相当于旅游一样,一个好的旅游者,你到一个地方,啥东西你都要去尝,一个人永远保持年轻就是对未知世界充满好奇,当你不好奇你也就基本上差不多要该牺牲了,跟死了有什么区别呢?永远有一颗好奇之心,你就永远年轻。


《佛系列-千佛》 55×33cm 布面综合材料 2018年


杨光伟简历



重庆市忠县人,现为西华大学美术与设计学院教授。1992年毕业于四川省阿坝师范学院美术系。1997年毕业于四川美术学院油画专业。2008年进修结业于中央美术学院壁画系。2009年进修结业于中央美术学院油画系材料艺术工作室。2009、2010年进修于中央美术学院当代艺术理论与批评班。2018年毕业于西安美术学院油画系,获艺术硕士(MFA)。


个展:


2017年 杨光伟个展 德国杜塞尔多夫ONS-Zentrum文化教育中心

2017年 杨光伟个展 德国黑森州Hilders市Rathausgalerie

2016年 杨光伟个展 美国堪萨斯州托皮卡市Cloister Gallery

2016年 意——程毅、杨光伟双个展·韩国展 韩国全罗南道Sougeun Gallery

2015年 艺术家个案研究系列展(二)·从意象到意域——程毅、杨光伟双个展·重庆、成都两地展 重庆501当代美术馆、了了·艺术传播机构  重庆、成都

2015年 气——杨光伟作品展(第二回) 美国堪萨斯州华盛本大学约翰·亚当画廊

2014年 气——杨光伟作品展 美国堪萨斯州华盛本大学国际楼与梅比图书馆

2004年 来自四川成都的艺术家作品展 德国FREILASSING城市博物馆

2004年 来自四川成都的艺术家作品展 奥地利欧本多夫Helmut Junger画廊

1992年 杨光伟中国画展 阿坝高等师范专科学校


近五年部分群展:


2018年 

徐悲鸿画院北京油画院年度展暨金艺桥艺术空间首届油画展 上上美术馆 北京

没展/2018 上海证大喜马拉雅美术馆 上海

新当代艺术展暨兰瑟美术馆开馆展 兰瑟美术馆 湖南湘潭

质地的温度——川渝地区综合材料艺术家邀请展 成都画院 成都

美国洛杉矶艺博会 洛杉矶会展中心 洛杉矶

“画语圈 艺象马边”美术作品展 西华大学 成都


2017年 

行走川滇——南方丝绸之路文化交流展 四川美术馆 成都

“天府蜀韵”书画名家邀请展 高小华美术馆 成都

2017“画意成都”作品展 四川省图书馆 成都

第十届中国西部大地情中国画、油画作品展览 中国美术家协会

向钢铁长城致敬 四川美术馆 成都

第十五届意识美表现展 意识美表现展运营委员会 月刊美术文化 韩国首尔

栀子街 福宝美术馆 成都


2016年 

第八届新人新作美术展(获优秀奖) 四川美术馆 成都

“生态四川 美丽家园”书画作品展 红光艺术公社 成都

“口说无凭” 西安美术学院美术馆 西安

2016年新当代艺术家联展 芜湖书画院 安徽

MLB DESIGN & BOUTIQUE画廊 堪萨斯城 美国

第三届亚洲青年艺术家提名展 今日美术馆 北京

第五届四川省青年美展 四川美术馆 成都


2015年 

韩国光州文化艺术节 光州双年展馆 韩国光州

2015“画意成都”美术作品创作及年度展示活动 四川美术馆 成都

四川高校青年教师优秀作品提名展  大为美术馆 成都

第二届“和声:艺术邀请展” 高小华美术馆 成都

第二届四川文华美术奖 四川美术馆 成都

“艺术家村民”宋庄艺术中心开馆展 北京通州宋庄 

画说天府——2015川籍画家邀请展 成都画院 成都

纪念抗日战争暨世界反法西斯战争胜利70周年美术作品展 四川美术馆 成都

2015光州国际现代美术展 韩国光州双年展馆 韩国光州

“文理杯”——首届四川省青年油画作品展(获创作奖) 四川美术馆 成都

雪域意象·卅年传薪 文轩美术馆 成都

第12届韩国京畿道安山国际艺术博览会 韩国安山


2014年 

2014•画意成都美术作品展 成都市文联 成都

双城记——成都/西安当代青年油画家壹拾贰人作品展 亮宝楼 西安

和声——北京成都艺术家交流展 高小华美术馆 成都

十年一见 张江当代艺术馆 上海

高原•高原——第四届中国西部美术展油画年度展 陕西省美术博物馆 西安

倾城之梦 万和至境---流动的社区美术馆 望京远洋万和公馆 北京

东西方对话作品邀请展 营8号文创基地 北京

第十二届全国美展四川省美术作品展(获优秀奖) 四川省美术家协会 成都

2014年成都春季沙龙展 四川大学美术馆 成都

“塞上明珠·美丽宁夏”第八届中国西部大地情中国画、油画作品展 中国美术家协会 北京

上下文·四个人的近作 了了·艺术传播机构 成都


2013年 

备战第十二届全国美展美术作品汇报展 陕西省美术家协会 西安

四川省第四届青年画展(获优秀奖) 四川省美术家协会 成都

高校师生作品展 四川省美术家协会 成都

名家绘名城·2013艺术成都·当代著名画家美术作品展(获优秀奖) 成都岁月画廊

“时间的切片”艺术邀请展 CHORUS’文化中心 成都

“朝圣敦煌”全国美术作品展 中国美术家协会 敦煌

第二届“和美西藏”全国美术作品展 中国美术家协会等 北京




了了·艺术传播机构

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开馆时间:周一至周日 10:00-21:00







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艺术家徐术珂:下个世纪的爱

艺术品可以有多种的解读,这是它的魅力之一。每次和不同的人交流解读对艺术品的感受,总有相互出示底牌的私密快乐。

《下个世纪的爱NO.6》80×50cm 布面油画 2017年

艺术品可以有多种的解读,这是它的魅力之一。每次和不同的人交流解读对艺术品的感受,总有相互出示底牌的私密快乐。于是尽管大家都那么不同,还是因为深度交流的快乐而彼此产生了信任。

徐术珂《下个世纪的爱》等新作,笔者的解读可能比较“特别”:他把本来可以清晰画出的佛像虚化,让现实世界不存在的水滴字符无比清晰地浮出,由此产生了可以多重进入的可疑空间——仿佛在佛像和字符之间有不可言说的遮挡物,这些半透明或者透明的东西,还不是一种:有一些比较好认,它们像薄膜一样包着佛像;有一些有点要命,因为我们看不见它,只能感受到它。

《下个世纪的爱NO.5》130×90cm 布面油画 2016年

画面里元素不多,却全是“分寸”。佛像虚化到什么程度,字符清晰到什么程度?一者变了另一边要怎么调整?如何在这两者的画面处理中不离艺术家的疑问?如何让这两者的关联引发人们的思考?那些多重的空间感受——好像近在咫尺又明明远隔天涯的觉受到底该如何制造,如何转不同的画幅里把握?细微处无数的调整,说起来都是精准的“分寸”。

由于分寸感的把握,艺术家得以用看起来很少的语言和笔触,表达了特别丰富的内涵,这个又叫“简洁”,而语言和笔触双重的简洁来自训练有素、功夫到家。徐术珂的这些作品,的确很棒。

 《下个世纪的爱NO.1》90×130cm 布面油画 2015年

当然,笔者也被艺术家的思考震动。佛像如果看作是象征某种我们追求的真理,那么它们在我们的内心世界是不清晰的,我们和真相之间存在很大的隔膜;水滴的字符,一些转瞬即逝的空花泡影,却深深地吸引着我们的眼球,看看这些字符的涵义——梦、早安、晚安、你好、触动我心、顶你哦,速食面一样的流行词汇,在主宰我们的大脑和日常行为。这就是艺术家预言的《下个世纪的爱》,这“爱”实际上现在就已普遍萌芽,被艺术家捕捉到了,这些作品隐喻着现代人的精神处境。

《下个世纪的爱NO.10》90.5×120cm 布面油画 2018年

笔者自己看画面作了如上思维之后,看到艺术家的作品自述,特别有意思。徐术珂写道:“这系列作品灵感源于在中小学入校时都会做的一种视力测验——色盲检查图,在碎片化的底图中要求学生找出隐藏在其中的字母或数字,面对这种测验学生或多或少会怀揣忐忑之心,要在很多图案的干扰下全部认出不是件容易的事情,害怕本来不是色盲经过测验倒成了色盲。由此引发出我这一系列作品的呈现面貌,这组作品旨在探讨在当下社会中现实和虚拟的互渗性,即使极力去分辨也很难看清本质,中国在全球化历史进程中各种信息资源的膨胀与封闭,清晰与模糊,宗教系列(下个世纪的爱)、政治系列(会场、龙椅)探讨中国普遍存在的权力崇拜,个人和集体的微妙关系,和在《有门采儿作品的室内》中,指涉了全球化某些新兴阶级的盲目跟风浮夸的心态,在《游乐场》中,表达对重归美好环境的向往和个人不断被社会进程裹挟的担忧,旨在不表态下探讨现实和内心的疏离感,以一种诙谐的态度探讨什么是当下的中国。”

 《下个世纪的爱NO.4》55×95cm 布面油画 2016年

认真读一遍艺术家的作品自述,相当于从创作者的角度又对作品进行了一番理解。好玩的是,在艺术品的解读里没有排除异己的“权威”,连艺术家本人也不是,只要作品被展示出来,就在不同观者的内心再次获得了无数的生命,可以有无数的生长形式。所以笔者接受艺术家的创作自述,却用不着放弃自己的解读。

《下个世纪的爱NO.9》120×90.5cm 布面油画 2017年

再为大家贡献一条文学博士钟思远对徐术珂作品的评价:“徐术珂作品的创作动机源于色盲测验。受试者追求图示“真相”的努力与人的认识过程有某种相似性。在面对符号意义大于个体经验的事物时,人类对事物本质的探寻往往如“雾里看花”,在一片模糊与有所“洞察”之间形成自我的总结与反思。作品所描绘的形象或符号对当下中国社会现实具有较为普遍的影射意义。力图通过表现虚拟与现实相互渗透情境中的观察状况,探讨诸如权力崇拜、享乐主义、群体意志等问题与当代中国及中国人的微妙关系。”

《造像NO.2》55×95cm 布面油画 2015年


《下个世纪的爱NO.8》120×90.5cm 布面油画 2017年


《下个世纪的爱NO.3》86×55cm 布面油画 2015年


您读了这些作品,有什么觉受和思考?欢迎出示内心的“艺术底牌”,和我们交流。


艺术家简介

徐术珂


四川省美术家协会会员。

现任教于西南民族大学艺术学院。


1982年生于四川,

2002年毕业于四川美术学院附中;

2006年毕业于四川美术学院

油画系第一工作室,获学士学位;

2010年毕业于四川师范大学美术学院,

获硕士学位;


作品多次参加全国、省级展览,

并赴英国、德国、法国等地参展,

作品广泛被国内、法国、

比利时等艺术机构及私人收藏。




了了·艺术传播机构

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来自艺术家贺阳的“解毒”文件

当看到艺术家自己的“原始意图”,我心头还是震动了一下。这纯粹和坚持多么令人赞叹,始终这样虔敬温良地对待艺术,不掸花子,没有坚韧的修为之心是做不好的。

《开春了》150x60cm 2013年 布面油画


       也许艺术家私下里都喜欢听到我们对其作品的真诚误读,也许这还是不错的艺术之乐?自己创作的时候有一番方向与意图,读者观看的时候却有多种感受——就像水注入不同的容器,产生了若干变化

       关于贺阳作品的若干“误读”,可能我们都传读过,也不同程度参与了制造,小编自然也非常熟悉它们。但是当看到艺术家自己的“原始意图”,我心头又震动了一下。这纯粹和坚持多么令人赞叹,始终这样虔敬温良地对待艺术,不掸花子,没有坚韧的修为之心是做不好的

      不过请原谅,我掸花子了,大标题有点开玩笑的感觉。其实艺术家并没有说要来“解毒”什么,这就是他发表于美术杂志的一篇文章

      艺术是开放的,喊一声“芝麻开门”它正读和误读的各种门一定为您敞开。

      旁边有人问,如果门没有开呢

      ——回答是:

      并非口诀出了问题,可能需要再真诚一点


归一——纯粹的艺术境界


贺阳


绘画从某个角度讲,也是加加减减的过程。当在画面上落下第一笔,就开始不断做加法,希望表达得更加丰富、更加完整。但有时也会得荃忘鱼、得言忘意,忽视了形式与内容的统一性和表达的有效性。随着加法地推进,艺术元素在不断叠加后使关系变得越来越复杂,甚至互相纠结在一起,导致画面的混乱和分裂。如果不正是表达所需,就得运用减法使画面重新找到秩序并达到归一的状态。


《笃》60x60cm 2013年 布面油画


《条屏-对岸》70x200cm 2010年


艺术家需要将作品中的各种元素用技巧协调起来以形成秩序,比如光线的巧妙运用。伦勃朗是运用光线的大师,他利用光线控制画面的明暗区域,明确各个物体的前后主次,从而使画面井然有序。色彩中的色调也是统一画面的好方法,统一的色调就像算术中的“公因式”一样使得画面中各个部分之间形成关联,避免了混乱地滋生。类似手段还有很多,比如材料、笔触、肌理等等。


《五葫》100×50cm 2015年


归一也来自观众在审美时的主动简化行为,这是格式塔美学的重要观点。鲁道夫·阿恩海姆在著作《艺术与视知觉》中提到:依照视知觉的基本规律,在一定的条件下,视知觉倾向于把任何刺激样式以一种尽可能简单的结构组织起来。因此,无论艺术家的作品是多么混乱,观众都会尽力去归纳和理解作品,将作品的意义从纷繁的形式中浓缩提取出来,简化正是主要的手段。


《蛐蛐》 50×70cm 2011年


在审美上,归一是作品呈现出的简洁纯粹的精神气质和艺术状态。算数中的归一问题是通过对变量的计算来得出不变量的核心单位,虽然简单但有助于理解这个词在其他领域的意义。归一就是归向出发点,简化到最基本的状态,从而达到纯粹的境界。与中国艺术精神一脉相承的归一论与西方美学思想也能相通。艺术批评家克莱门特·格林伯格所建立的现代主义艺术理论认为每一种艺术独特而又恰当的能力范围正好与其媒介的性质中所有独特的东西相一致。自我批评的任务就是要从每一种艺术的特殊效果中排出任何可能从别的艺术媒介中借来的或经由别的艺术媒介而获得的效果,从而变得更加纯粹。这和归一异曲同工,都是通过对非本质因素的剔除来寻找本质的核心,从而达到纯粹的境界。兴起于20世纪60年代的极简主义也有类似的艺术主张。可见,在西方现代主义的发展中,似乎也有一条潜在的归一轨迹。


《石榴》 50×80cm 2010年


归一是秩序的建立、视觉的简化和审美的纯粹,“内收”是其主要的艺术倾向,手法上则常用减法。如一支长笛,慢慢浸入心田。在中国文人画中,即使没有色彩,却也墨分五色。空间虽不实在,但能知白守黑。即使寥寥几笔,但也满纸烟尘!相较而言,东方艺术中的内收倾向总体上多一些,这或许和中国文人以及明清之后阴柔的审美风格有些关联。艺术不仅是文人修身养性的途径,也是治伤疗伤的手段。“躲进小楼成一统,管它冬夏与春秋”鲁迅先生在《自嘲》诗中的这一句很好地诠释了文人们内收的精神状态。


《水仙》10-3 50x70cm 2010年 布面油画


《花之初》60×60cm  2011年


我是在自己的艺术创作中去逐渐领悟归一的真谛。作品多描绘平常物件,荷花、器皿、山石、瓜果之类的。程丛林先生评价有“案头”之气,陈剑澜先生则认为有“清供”的味道,都不约而同地点到了作品中的文人情怀。清供是中国文人放置书斋供把玩消遣的文雅物品,也是案头之物。后来成为了明清以来文人画家常用的绘画题材。如今,清供不仅代表了某类物件或某类绘画主题,也用来指代一种审美倾向和艺术风格,与归一的境界有着深厚的联系。我所用画幅多有国画中传统的条幅。国画的画幅形制很丰富,与中国的美学观念和艺术形式一脉相承。国内很多油画家开始使用国画画幅,这既有创作上的考量,当然也希望接上祖宗的血脉。作品尺幅以中小为主,追求亲近谦和的姿态,既适合案头的近距离欣赏,也有清供的把玩之意。画中之物化繁为简,器皿通常一两个,荷花往往三五枝。并非个人偷懒少画,即使开始时画得再多,到最后还是删减到不能再少之时方觉画面通透。作品尚虚静的气息,不仅大量留白,空间交代也不求具体,仿佛茫茫虚空中自有一物。有时,围绕器皿会绘制一些阴影,但都形色自由、不受约束。


《条屏-小池》150x40cm 2016年

左右滑动浏览全图)


内容、尺幅、构成、空间等方面的探索都是为求归一的艺术境界,但有时也是可遇不可求。我曾在一件作品完成后有所感悟:此画刚画完时,并不觉奇,但日久以来,却是越看越爱。她透露着静溢的光辉,安静而端庄,去除了华美和跳动,没有了喧嚣和吵闹,时间仿佛在画面上停顿而显得更加凝厚,洗涤了画中的俗气,拂去了多余的油脂,画与心都变得更加干净。可能那就是归一纯粹的艺术境界!


原文刊载于《美术观察》2017年第10期


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